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Las luces y el color en la pintura cumplen varios objetivos, tanto plásticos como estéticos. Por un lado, es un factor fundamental en la representación técnica de la obra, por cuanto su presencia determina la visión de la imagen proyectada, ya que afecta a determinados valores como el color, la textura y el volumen; por otro lado, la luz tiene un gran valor estético, porque su combinación con la sombra y con determinados efectos lumínicos y de color puede determinar la composición de la obra y la imagen que quiere proyectar el artista.
La luz puede tener un componente simbólico, especialmente en religión, donde a menudo se ha asociado este elemento con la divinidad, la representación técnica de la luz ha evolucionado a lo largo de la historia de la pintura y para su plasmación se han creado a lo largo del tiempo diversas técnicas, como el sombreado, el claroscuro, el esfumado o el tenebrismo.
El claroscuro, luces y sombras
El claroscuro consiste en interpretar por medio de alguna forma gráfica, las luces y las sombras que se definen al iluminar un modelo, para obtener profundidad y tono, para comprender más esta técnica, vamos a analizar una esfera y a ver cómo reaccionan las luces y las sombras en ella. Cuando se analiza un claroscuro, se deben tener claros ciertos conceptos, ya que la fuente de luz genera varias partes diferenciadas en cualquier dibujo o forma:
- Zona iluminada: es la zona donde la luz incide directamente sobre el objeto, es la máxima claridad en el objeto.
- Zona de penumbra: en la zona de luz, pero ahora incide de manera más oblicua, por lo que es algo más oscura.
- La zona de sombra propia: es la zona donde la esfera no recibe luz, observa que al ser una forma redonda la oscuridad se va haciendo más intensa poco a poco y que tras la zona de máxima sombra existe una zona algo más clara llamada reflejo, creada por la luz que viene de otros objetos del entorno.
- Zona de sombra proyectada: es la sombra que un objeto proyecta sobre otros cuerpos, el suelo o la pared.
A la hora de realizar cualquier dibujo se debe elegir la dirección de la que provendrá la fuente de luz y en función de eso, analizar bien las maneras y aplicar las luces y las sombras de manera coherente; entre los conocimientos necesarios para una buena aplicación del llamado claroscuro, se encuentran los valores, que se definen como los diferentes tonos de gris que encontramos en el claroscuro.
La teoría del color y pintura, cómo se percibe el color
Hasta mediados del siglo XVII, los científicos creían que los colores eran una combinación de luz y oscuridad, hicieron experimentos proyectando la luz solar sobre una superficie a través de un prisma y sostenían que los cristales coloreaban la luz blanca del sol, dando como resultado alguno de los colores del arco iris.
A finales del siglo XVII, Isaac Newton utilizó un prisma de vidrio para dividir los rayos blancos de la luz del sol en el abanico coloreado de longitudes de onda, al que llamó espectro, asignó nombres a los colores radiantes y colocó estos siete colores en un círculo, creando así la primera “rueda de color”, en su diagrama en el centro se situaba el color blanco para simbolizar la síntesis de todos los colores en la luz blanca, de hecho, al girar esta rueda a gran velocidad, el ojo humano percibe el color blanco.
La aportación de Newton con respecto a las antiguas ordenaciones del color reveló las relaciones entre los colores. Lo anterior, tanto en que los colores adyacentes estaban relacionados entre sí, como que los colores con mayor contraste ocupan posiciones opuestas en la rueda de color. Tras una introducción a la historia de la teoría del color, vamos a ver cómo se ha transformado a lo largo de los años; para hacer un buen uso del color primero se debe familiar con el vocabulario básico derivado de la teoría del color. Este consta de menos de doce términos que se irá explicando a continuación. Su comprensión será fundamental para poner en práctica los principios fundamentales del color.
Herramientas plásticas para creación de contrastes
Johannes Itten, diseñador y profesor en la Bauhaus, es el primero que hizo una teoría sobre los tipos de contrastes posibles. Estos se producen por las diferentes características de los colores. El contraste es una herramienta adicional, que cualquiera puede usar, para agregar un interés visual a sus composiciones. Para ello se verán tipos de contrastes y cómo aplicarlos.
Se entiende por contraste al comportamiento de dos o más colores de una composición visual que afectan a la interpretación del espectador. El contraste en el color supone una característica dinámica, opuesta a la armonía, que implica una tensión mucho menor. A la hora de combinar colores, conocer sus relaciones entre sí y los comportamientos que el ojo tiene al percibirlos permitirá llegar a un resultado más cercano al objetivo.
Se podrán hacer combinaciones más estridentes que llamen la atención del espectador; o buscar combinaciones más armónicas para traer al espectador a la calma y la tranquilidad. El contraste de colores puros es la combinación de colores saturados, el grado máximo de tensión lo protagonizan los colores primarios (amarillo, magenta y cian). Estos colores son los más puros y por ello son los que mayor contraste producen al combinarlos.
El contraste con colores claros y oscuros, el claroscuro hace referencia a la claridad y la oscuridad de un color. Conseguir contrastes máximos les dará un interés visual a las imágenes. Contraste con temperatura de color (frío-cálido), cuando se emplea simultáneamente un color cálido y otro de los denominados fríos, se obtiene un contraste visual por la diferencia de temperatura entre ambos, como colores cálidos se definen aquellos en la zona del espectro que tienden al infrarrojo (rojo y amarillo), mientras los colores fríos están corridos hacia la zona del ultravioleta (verdes y azules).
Armonía del color, tipos de armonía del color
Se conoce como armonía del color o cromática, al conjunto de técnicas que se emplean para crear imágenes equilibradas. Es imprescindible para el artista, pues a través de la armonía visual se pueden reflejar las sensaciones y emociones. Misma que se busca realmente transmitir con los contenidos que se generen. El objetivo de este método consiste en equilibrar los colores dentro de una composición. Así, consiguiendo una combinación coherente, en la que cada color varía en sus atributos, pero ningún color desentona con los demás.
Equilibrar un conjunto de colores en un diseño significa ofrecer al cerebro humano lo que al parecer desea. Para ello, existen unas reglas cromáticas muy importantes que ayudarán. Existe la regla de los colores monocromática; al utilizar un único color como motivo característico de la imagen, es común que se haga un ajuste sobre el saturado y la iluminación. Así, reforzando los elementos y zonas sobre las que se desea llamar la atención y dejando el resto más des saturado y con menos luz.
La regla de los colores análogos o adyacentes, al emplear esta regla se está empleando un color principal, o color dominante; además de dos colores adyacentes dentro del círculo cromático. Es un procedimiento que se usa, en general, para crear ambientes tranquilos, muy agradables para el cerebro humano.
Construcción adecuada de un videojuego
La construcción y estructuración de un videojuego conlleva un amplio trabajo detrás de ello. Cada una de las partes de este proceso es una etapa completa que permite que el resultado sea óptimo y atraiga a muchos jugadores y fanáticos de este tipo de entretenimiento. Por ello, el desarrollo del mismo, tanto desde su programación, como desde el arte que conlleva el diseño de cada parte, exige un alto nivel de conocimiento y experiencia.
TECH Universidad Tecnológica se posiciona actualmente como la mayor universidad virtual del mundo, brindando así educación de alta calidad a su alumnado. Caso ejemplo de ello es su Facultad de Videojuegos, donde se desarrollan posgrados tales como el Máster en Animación 3D y Realidad Virtual para Videojuegos y el Máster en Programación para Videojuegos. Por otra parte, para aquellos profesionales de este campo que buscan dominar el campo del diseño estético en cada resultado, no cabe duda que su mejor decisión será inclinarse por el Máster en Arte para Videojuegos.
